Qu’est-ce que l’ikebana ?
Dans l’ikebana, l’art japonais de l’arrangement floral, les fleurs, les branches, les feuilles et les tiges trouvent une nouvelle vie en tant que matériaux pour la création artistique. Contrairement aux habitudes occidentales qui consistent à placer les fleurs dans un vase, l’ikebana vise à faire ressortir les qualités intérieures des fleurs et autres matériaux vivants et à exprimer des émotions.
À quoi ressemble l’ikebana ?
Les arrangements d’ikebana ne sont pas sans rappeler la sculpture. Les considérations de couleur, de ligne, de forme et de fonction guident la construction d’une œuvre. Les formes qui en résultent sont variées et inattendues, et peuvent varier considérablement en termes de taille et de composition, d’une pièce faite d’une seule fleur à une autre qui incorpore plusieurs fleurs, branches et autres objets naturels différents.
Dans la culture japonaise, la plupart des fleurs, plantes et arbres indigènes ont une signification symbolique et sont associés à certaines saisons, de sorte que dans l‘ikebana traditionnel, le symbolisme et la saisonnalité ont toujours été prioritaires dans l’élaboration des arrangements. Parmi les éléments les plus couramment utilisés, citons l’herbe de bambou toute l’année, les branches de pin et de prunier japonais au début de la nouvelle année, les branches de pêcher pour les Journées des filles en mars, le narcisse et l’iris japonais au printemps, la calla lys en été et le chrysanthème en automne. Les pratiques modernes de l’ikebana exigent la même sensibilité aux saisons, ainsi qu’à l’environnement dans lequel un arrangement est pris.
Parfois, les praticiens de l’ikebana,taillent les fleurs et les branches en des formes méconnaissables, ou ils peuvent même peindre les feuilles d’un élément. Les branches des plantes peuvent être disposées de manière à germer dans l’espace dans différentes directions, mais en fin de compte, l’ensemble de l’œuvre doit être équilibré et contenu. Parfois, les arrangements sont montés dans un vase, mais ce n’est pas toujours le cas.
Dans l’ikebana, il ne suffit pas d’avoir de beaux matériaux si ceux-ci sont utilisés avec art pour créer quelque chose d’encore plus beau. Avec l’aide d’un artisan compétent, une fleur soigneusement placée peut être aussi puissante qu’un arrangement élaboré.
Qui pratique l’ikebana ?
L’Ikebana peut être pratiqué aussi bien par des amateurs que par des professionnels, qui peuvent tous deux obtenir des résultats élégants. Cependant, comme pour de nombreuses autres formes d’art, la maîtrise des bases est fondamentale pour toute pratique, et ce n’est qu’alors qu’une personne peut commencer à expérimenter.
Guidés par la précision, une valeur fondamentale de la culture japonaise, les débutants apprennent les compétences techniques de base, comme la coupe correcte des branches et des fleurs, la mesure des angles dans l’espace pour le placement correct des branches et des tiges, et la préservation des matériaux vivants, ainsi que l’étiquette du maintien d’un poste de travail propre.
Les débutants apprennent également à sensibiliser leurs yeux aux matériaux, à faire ressortir leurs qualités intérieures et à comprendre comment cela change avec chaque arrangement. Les arrangements pour débutants réalisés dans les styles Nageire et Moribana utilisent souvent deux grandes branches et un petit bouquet de fleurs. Ces pièces suivent le système à trois tiges des éléments shin, soe et hikae qui ont traditionnellement représenté respectivement le ciel, l’homme et la terre. Maintenant, sur un plan pratique, elles font référence aux principales tiges utilisées. Toutes les autres tiges sont appelées jushi, ce qui signifie tige de soutien ou tige subordonnée.
Comment se déroule un arrangement ikebana de base ?
Pour préparer un arrangement de base de Moribana, par exemple, on ajoute de l’eau dans un récipient peu profond, puis y place un kenzan – un petit objet recouvert d’épingles qui maintient les fleurs en place. Ensuite, le fabricant choisit deux branches, une pour le shin et l’autre pour le soe, et une fleur, pour la hikae. Ensuite, chaque tige est mesurée et coupée à des longueurs précises (qui sont spécifiées dans le manuel du débutant Moribana) et fixée, une à la fois, sur le kenzan, à des angles différents. Pour compléter l’arrangement, des tiges de jushi supplémentaires sont ajoutées pour cacher le kenzan et compléter l’arrangement. Ces principes peuvent être répétés à l’infini, en changeant l’emplacement et les angles pour obtenir des formes et des effets différents.
Les débuts de l’ikebana
On pense que les racines de l’ikebana au Japon remontent soit aux pratiques cérémonielles de la religion shintoïste indigène, soit à une tradition d’offrandes florales dans le bouddhisme, qui a été importée de Chine au 6e siècle.
Le premier texte écrit connu sur l’ikebana, appelé Sendensho, a été rédigé au 15e siècle. Les lecteurs y trouvent un ensemble complet d’instructions sur la manière de créer des arrangements adaptés à certaines saisons et occasions ; ses directives indiquent clairement que la pratique de l’ikebana incarne l’appréciation et la sensibilité évoluées à la nature qui caractérisent la culture japonaise au sens large.
À peu près à la même époque, l’ikebana a commencé à devenir une activité séculaire. La conception des maisons japonaises durant cette période reflète cette transition : les nouvelles maisons étaient presque toujours construites avec une cavité spéciale appelée tokonoma, qui contenait un parchemin, un objet d’art précieux et une composition florale.
Au milieu des couleurs sourdes et des plans plats de la maison traditionnelle japonaise, le tokonoma se démarquait comme le lieu singulier de la couleur et de la décoration, et une profonde considération était accordée aux objets qui y étaient placés. Conformément au respect de la culture japonaise pour l’impermanence, les tokonoma étaient exposés à tour de rôle, selon les saisons et les occasions festives. L’arrangement des fleurs dans ce contexte a ouvert la voie à l’ikebana et à sa reconnaissance en tant que forme d’art distincte.
Les écoles traditionnelles d’ikebana
Au XVe siècle, avec l’omniprésence soudaine du tokonoma et des enseignements du Sendensho, les pratiques ikebana ont commencé à s’épanouir. Tout d’abord, l’école Ikenobo, dont le nom fait référence à une longue lignée de prêtres de Kyoto qui suivaient la tradition bouddhiste de présenter des offrandes florales dans le temple, a vu le jour. À cette époque, Ikenobo Senkei est devenu célèbre pour ses compositions florales habiles ; aujourd’hui, il est considéré comme le premier maître de l’ikebana.
Le style séculaire que Senkei pratiquait est devenu connu sous le nom de Rikka, qui signifie « fleurs debout ». Ce type d’ikebana est composé de sept éléments de base (ou parfois neuf), qui sont un mélange de branches d’arbres et de deux ou trois fleurs – le pin, le chrysanthème, l’iris et le buis sont couramment utilisés. Ces éléments sont combinés, traditionnellement dans un vase chinois orné, pour créer des formes triangulaires éclatantes, avec des éléments hauts au centre et des éléments plus courts qui s’élancent vers l’extérieur. Pouvoir faire tenir debout les principaux éléments sans support requiert un haut niveau de compétence technique. Les compositions de Rikka sont considérées comme les plus grandes, mais aussi les plus rigides (même selon les normes actuelles). Elles étaient à l’origine destinées aux temples et se sont retrouvées plus tard dans les palais royaux et les demeures seigneuriales des riches.
En même temps, une approche plus modeste de l’arrangement floral gagnait en popularité en tant qu’extension du bouddhisme zen et de l’esthétique du Wabi-Sabi et de la cérémonie du thé qui s’est développée à partir de ses principes de base. Le maître de thé le plus célèbre du Japon, Sen no Rikyū, a introduit une appréciation de l’esthétique imparfaite et modeste dans ses cérémonies de thé, qui incluait l‘utilisation de fleurs. Plutôt que d’élaborer des arrangements de style Rikka, Rikyū a préféré des arrangements minimalistes à une tige, comme une gloire matinale placée dans un simple vase fabriqué par un artisan local. Ces cérémonies ont conduit à la formation du deuxième grand style d’ikebana, qui a été connu sous le nom de Nageire, qui signifie « jeté dedans ».
Dans sa première forme, le Nageire était libre des règles et des formalités qui régissaient le style Rikka. Aux antipodes du Rikka, les fleurs dans les arrangements du Nageire n’étaient pas conçues pour se tenir debout seules et étaient plutôt placées dans de grands vases qui supportaient les tiges des fleurs.
Rikka et Nageire représentent deux points de vue opposés. Le Rikka, bien que techniquement laïque, s’intéresse au cosmos, en remontant à ses origines bouddhistes. En revanche, l’approche plus organique de Nageire se concentre plus directement sur les liens avec la nature.
Les écoles modernes d’ikebana
En raison de plus de 200 ans d’isolement politique au Japon, l’ikebana n’a pas connu d’autres innovations jusqu’en 1868, date à laquelle le pays s’est rouvert au commerce extérieur. Les gens n’ont pas tardé à adopter les coutumes occidentales, et dans le monde de l’ikebana, cela a catalysé une série de changements radicaux.
En 1912, la première école moderne d’ikebana, l’école Ohara, a été créée. Son fondateur, Unshin Ohara, a fait évoluer la forme d’art en introduisant le style Moribana, et à travers lui, en mettant en œuvre deux changements majeurs : l’incorporation de fleurs occidentales, et l’utilisation d’un récipient circulaire peu profond pour faire tenir les fleurs debout, avec l’aide du kenzan.
La flexibilité et la variation que permet le style Moribana en ont fait un favori et un élément de base dans presque toutes les écoles d’ikebana aujourd’hui. Au cœur de la Moribana se trouve un système à trois tiges, dans lequel trois fleurs sont presque toujours fixées pour créer un triangle. Les compositions qui ne suivent pas ce système triangulaire sont connues sous le nom de « freestyle ». Le style libre est également utilisé pour décrire des approches plus créatives et originales de l’ikebana, où le créateur utilise sa connaissance des formes, des couleurs et des lignes de la pratique précédente pour développer de nouveaux arrangements qui n’adhèrent pas nécessairement aux traditions.
Les changements se sont poursuivis avec la création de l’école Sogetsu en 1927. On attribue à son fondateur, Sofu Teshigahara (dont le père était également un maître de l’ikebana), le mérite d’avoir élevé l’ikebana d’une pratique technique à un art au niveau de la sculpture, ce qui est le cas depuis lors.
L’approche de Teshigahara appelait à une plus grande liberté et à l’utilisation d’autres matériaux vivants. Pour lui, les parties oubliées de la nature, comme la terre, les roches et la mousse, étaient aussi mûres que les fleurs et avaient un potentiel expressif. Il croyait de tout cœur qu’un excellent ikebana n’est pas dissocié de la vie et de l’époque de son créateur, et qu’une fleur est un outil expressif irremplaçable qui révèle l’âme. Avec ces innovations, le style Rikka a commencé à s’estomper. Actuellement, Ikenobo, Ohara, et Sogetsu sont les styles les plus populaires, avec environ 400 de ces écoles en activité aujourd’hui.
L’Ikebana aujourd’hui
Au milieu du XXe siècle, l’internationalisation de l’ikebana a été stimulée par les efforts d’Ellen Gordon Allen, une Américaine qui a étudié l’ikebana alors qu’elle vivait au Japon. Elle voyait l’ikebana comme un moyen d’unir les gens du monde entier. À partir de 1956, Allen a travaillé avec les principales écoles d’ikebana pour fonder une organisation à but non lucratif appelée Ikebana International, qui allait propulser une mission diplomatique : « Les amis par les fleurs ».
Dans les décennies qui ont suivi, des sections de toutes les grandes écoles ont vu le jour à l’échelle mondiale. Ces dernières années, la pratique a inspiré des artistes contemporains comme Camille Henrot et une large gamme d’artistes floraux, qui utilisent les principes de l’ikebana pour développer de nouvelles créations originales.
Quiconque pratique l’ikebana aujourd’hui sait bien que l’établissement de relations est au cœur de la pratique – relations entre les matériaux, entre les élèves et entre les enseignants et leurs élèves.
Au Japon aujourd’hui, le mot kado, qui signifie « chemin des fleurs », est le terme préféré pour désigner l’ikebana, car on pense qu’il permet de mieux saisir l’esprit de cet art en tant que voie d’apprentissage tout au long de la vie. L’impermanence de cet art, qui commence par sa dépendance aux saisons de la nature, se prête à une exploration et une expérimentation sans fin pour les pratiquants.
Teshigahara était fermement convaincu qu’une pratique réussie de l’ikebana tout au long de la vie exige de la curiosité, et non de la complaisance. « Nous devons nous efforcer de devenir des artistes avec de l’ampleur et de la profondeur au lieu de rester à l’aise dans notre niche artistique », a-t-il dit un jour. « Nos créations doivent être variées. Si nous ne nous y aventurons pas, nous ne deviendrons jamais des artistes exceptionnels ».
