Les Fleurs dans la peinture

Tout au long de l’histoire de l’art, certains sujets ont eu une résonance particulièrement forte auprès des artistes et du public. Des chats à Cupidon, ces tendances revisitées révèlent les muses les plus populaires de l’art, au premier rang on retrouve les fleurs.

Enracinées dans l’art ancien et toujours présentes aujourd’hui, les représentations de fleurs et d’autres éléments botaniques se retrouvent dans nombre des mouvements artistiques les plus importants, qu’ils soient sculptés dans l’argile ou qu’ils mettent en scène une nature morte.

Ici, nous retraçons l’histoire de l’humble fleur dans l’art, en explorant son évolution et en identifiant les tendances iconographiques qui ont attiré les artistes pendant des siècles.

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  L’Égypte ancienne

Un aspect de l’Égypte qui surprend souvent les nouveaux visiteurs, s’ils sont attentifs, est le nombre de boutiques de fleurs disséminées dans le pays. Beaucoup de gens qui ne connaissent pas vraiment l’Égypte continuent à la considérer comme un environnement complètement aride alors que, bien sûr, la vallée du Nil est très luxuriante. En fait, l’Égypte exporte de nos jours de nombreuses variétés de fleurs, et les Égyptiens, depuis l’Antiquité, ont toujours adoré leurs fleurs.

 

En effet, les pharaons ornaient autrefois leurs chariots de guerre de fleurs avant de partir à la guerre, tandis que même les paysans se paraient eux-mêmes, leurs animaux ainsi que les cercueils de leurs morts avec diverses fleurs. Elles étaient données en cadeau d’amour et de culte, aux amoureux et aux dieux.

Selon les anciens mythes, on dit que les anciens Égyptiens avaient l’habitude de chanter pour le lotus lors de leurs fêtes. De plus, ils fixaient un jour pour la fête du lotus. Pendant cette fête, chacun devait tenir un pot en argent, en forme de lotus avec une bougie allumée en son milieu. Ensuite, chacun devait se diriger vers le Nil, le pot à la main et un rêve dans le cœur. Selon l’ancien mythe, on croyait que si la bougie allumée continuait à flotter à la surface de l’eau, le rêve se réaliserait.

Dans la mythologie de l’Égypte ancienne, la fleur de lotus symbolisait le soleil et était fortement liée au concept de création et de renaissance. Un motif de lotus simplifié et stylisé était souvent utilisé pour orner des objets artistiques, notamment des peintures sur papyrus, des amulettes et des céramiques.

En plus des décorations ornementales, les Égyptiens utilisaient également les fleurs comme support artistique. Dans la tombe du roi Toutankhamon, par exemple, de multiples colliers de lin teint et de fleurs coupées – dont des tournesols, des bleuets, des coquelicots et des lotus bleus – ont été trouvés parmi ses nombreux bibelots et trésors. Si vous êtes intéressés par l’histoire de la Fleur en Égypte allez voir notre article sur Les Fleurs en Égypte. 

• L’art médiéval

Les motifs floraux étaient également très présents dans l’art décoratif du Moyen Âge. Au cours de cette période, les tapisseries et autres arts textiles à grande échelle ont gagné en popularité, apparaissant dans les châteaux et les églises de toute l’Europe. Dans nombre de ces œuvres, le sujet – souvent un groupe de personnages – est placé sur un fond orné de motifs floraux répétitifs. Ces pièces sont connues sous le nom de tapisseries « millefleurs ».

• La Renaissance

Pendant la Renaissance italienne, les artistes se sont inspirés des tapisseries  « millefleurs » et ont souvent incorporé des motifs floraux dans leurs peintures mythologiques à grande échelle. Dans Primavera de Botticelli, la déesse du printemps est représentée en train de saupoudrer des fleurs sur le sol forestier couvert de fleurs, qui constituent la plupart des 190 fleurs représentées dans le tableau.

À cette époque, de nombreux artistes de la Renaissance en Europe du Nord se sont spécialisés dans la peinture de natures mortes. Souvent, ces représentations présentaient des arrangements floraux qui, selon le Metropolitan Museum of Art, « combinaient généralement des fleurs de différents pays et même de différents continents dans un vase et à un moment de floraison », ce qui illustre l’importance et la prévalence des livres de botanique et autres études florales pendant la Renaissance du Nord.

• Impressionnisme

Pendant le mouvement impressionniste, les peintres français ont utilisé des sujets floraux de plusieurs façons. Souvent, un bouquet magnifiquement arrangé est le sujet d’une scène d’intérieur. Contrairement aux natures mortes, ces œuvres comportent souvent des personnages.

 

Dans d’autres tableaux, les fleurs plantent le décor et servent de toile de fond. Comme beaucoup d’artistes impressionnistes ont choisi de travailler en plein air (« outdoor »), les fleurs, les plantes et d’autres éléments de la nature composent souvent l’arrière-plan de leurs tableaux.

Dans certains cas, comme la série iconique des Nénuphars de Monet, les plantes en fleurs sont le point central du tableau. Compte tenu de l’importance des nénuphars dans ses peintures, il n’est pas étonnant que Monet ait expliqué de façon célèbre : « C’est peut-être aux fleurs que je dois de devenir peintre. »

• Post-impressionnisme

 

Tout au long de la période post-impressionniste, les artistes ont continué à représenter les fleurs dans leurs tableaux. Tout comme les représentations impressionnistes, ces œuvres vont des représentations d’intérieur, comme les célèbres Tournesols de Van Gogh, aux scènes de plein air, comme les célèbres Iris de l’artiste.

Dans les deux cas, les fleurs servent souvent de sujet principal des pièces, ce qui montre l’intérêt des post-impressionnistes pour rendre des sujets quotidiens sous forme d’études stylisées du coup de pinceau et du ton.

• Fauvisme

 

Étant donné l’accent mis par le fauvisme sur la couleur, les peintures de cette période présentent souvent des fleurs vibrantes comme éléments décoratifs. Dans de nombreux intérieurs emblématiques de Matisse, des motifs floraux magnifiques et animés ornent les murs. Comme l’explique le critique d’art Robert Hughes « Matisse aimait les motifs, et les motifs dans les motifs », ce qui faisait du papier peint floral l’accent parfait pour ses représentations d’intérieur.

Les fauvistes ont également perpétué la tradition des natures mortes, en produisant des bouquets expressifs qui privilégient la couleur à la ligne.

• Pop Art et Néo-Pop Art

 

 

Pendant le mouvement Pop Art, les artistes ont créé des œuvres d’art audacieuses qui incorporaient et ré imaginaient des sujets accessibles et quotidiens. Les fleurs – à la fois comme études autonomes dans la série de sérigraphies d’Andy Warhol et comme éléments de natures mortes simplifiées de Roy Lichtenstein – ont souvent fait leur apparition dans ces œuvres.

L’artiste néopophile Jeff Koons présente aussi fréquemment des fleurs dans son art contemporain. Certains, comme le Grand Vase de Fleurs, donnent une tournure sculpturale aux natures mortes de la Renaissance. D’autres, comme Puppy, font allusion à l’art égyptien ancien en utilisant de vraies fleurs et des plantes.

• L’art éphémère contemporain

 

 

Comme Jeff Koons, de nombreux artistes contemporains utilisent de vraies fleurs pour produire un art éphémère exquis. Des arrangements floraux méticuleux aux sculptures en plein air et aux installations publiques, ces œuvres célèbrent la beauté fugace des fleurs et maintiennent leur héritage artistique en vie.

• L’art dans son salon 

 

 Depuis l’Égypte antique Les Fleurs sont synonymes d’art. Quelle que soit la fleur 

, elle dégage une beauté qui lui est propre. Que ce soit en photo ou en peinture, les fleurs sont indémodables.

On leur attribue même des symboliques précises ( La symbolique des Fleurs ). 

C’est pour cela qu’il est toujours plaisant de posséder de beaux Tableaux de Fleuri . Moderne ou Vintage. Petit ou Grand.