Tout au long de l’histoire de l’art, les fleurs ont été l’un des sujets les plus aimés des peintres. Les fleurs ont longtemps été une source d’inspiration pour les artistes, dont beaucoup ont consacré leur carrière à la réalisation de natures mortes de diverses beautés botaniques. Des natures mortes hollandaises du XVIIe siècle aux gravures sur bois japonaises, l’art floral a une longue histoire.
Qu’il s’agisse de peindre des roses, des iris ou des pivoines dans un vase ou de les peindre directement à partir de la nature, chaque artiste apporte son propre style unique à l’œuvre d’art finie. En fait, le simple fait d’examiner les peintures de fleurs au fil du temps permet de retracer la progression de l’histoire de l’art. Et même si l’histoire de l’art n’est pas quelque chose qui vous intéresse particulièrement, il est indéniable que les peintures florales ont une qualité puissante, quelle que soit l’époque dont elles sont issues.
Il y a un sentiment intemporel de joie, d’espoir, ou même de morosité que les peintures de fleurs peuvent évoquer. Ce n’est pas pour rien que certaines peintures de fleurs ont résonné pendant des décennies, voire des siècles.
Ces célèbres peintures de fleurs rappellent tout ce que la nature a à offrir. Et que certaines des meilleures inspirations , proviennent de ce que vous pouvez trouver à votre porte d’entrée. Chaque tableau résume un moment dans le temps, à la fois dans l’histoire de l’art et dans la vie de l’artiste qui l’a peint. Jetez un coup d’œil à certaines des peintures de fleurs les plus mémorables créées au cours des 500 dernières années et vous serez peut-être inspiré de commencer à dessiner vos propres fleurs. Et si jamais cela vous inspire le Louvre propose de nombreuse oeuvre de peinture de nature mort et même des parcours de Nature morte.
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Nature morte de fleurs d’Ambrosius Bosschaert (1617)
Croyez-le ou non, la peinture de natures mortes était autrefois considérée comme une forme d’art secondaire, car l’élite favorisait les peintures religieuses et historiques. Cela a lentement commencé à changer au cours des XVIe et XVIIe siècles, les Hollandais ouvrant la voie. La ville d’Anvers a été particulièrement importante, car les artistes y ont commencé à peindre des natures mortes de taille monumentale, qui comportaient souvent des fleurs. Ambrosius Bosschaert était un artiste néerlandais de natures mortes connu pour son amour de la peinture de bouquets de fleurs avec une précision quasi scientifique. L’amour des fleurs était si profond dans sa famille que ses trois fils sont devenus peintres de fleurs par la suite. Les peintures de fleurs de Bosschaert montrent des fleurs disposées symétriquement et il a été l’un des premiers peintres à se concentrer sur la peinture de bouquets. Il est clair que son travail a déclenché une tendance qui a perduré tout au long de l’histoire de l’art.
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Fleurs dans un vase en verre par Rachel Ruysch (1700)
Rachel Ruysch a non seulement la distinction d’être l’artiste féminine la plus connue de l’âge d’or néerlandais, mais elle a également élevé la peinture de fleurs à un autre niveau. Elle a su inventer son propre style et a mené pendant 60 ans une carrière de peintre d’images botaniques. Elle a rompu avec la tradition et a créé des compositions asymétriques avec ses bouquets peints , ce qui a rendu l’œuvre plus dynamique. En même temps, chaque pétale est minutieusement détaillé et son talent pour assembler des fleurs richement colorées l’a aidée à se tenir tête autres peintres de fleurs de l’époque.
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Fleurs dans un vase en verre par John Constable (c. 1814)
Le peintre romantique anglais John Constable est connu pour ses peintures de paysages, qui capturent la région proche de sa maison. Mais à l’époque où Constable pratiquait son art, la peinture de fleurs faisait partie intégrante de la tradition artistique. Comme de nombreux artistes célèbres avant et après lui, il s’est essayé à de nombreux genres différents, y compris les natures mortes. Ses Fleurs dans un vase en verre est une étude à l’huile peinte sur carton.
Il appartient maintenant au Victoria & Albert Museum après que la fille de Constable ait offert au musée le contenu de son atelier. La palette de couleurs sombres et sourdes est équilibrée par des touches de rouge et de jaune sur les fleurs, Constable créant un drame par le contraste entre la lumière et l’obscurité.
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Hibiscus de Hiroshige (vers 1845)
Les fleurs ont une importance historique dans la culture japonaise, qu’elles soient utilisées pour créer des arrangements floraux ornés ou incluses dans des estampes. La représentation des fleurs d’hibiscus par le maître Ukiyo-e Hiroshige est un triomphe, car leur couleur orange vif saute de la page. Selon la langue japonaise des fleurs, également connue sous le nom de hanakotoba, le mot hibiscus signifie « doux » . Ces fleurs sont données comme une coutume sociale destinée à accueillir les visiteurs. L’hibiscus de Hiroshige de 1845 est l’une des nombreuses fois où il a représenté la fleur dans ses gravures sur bois en couleur. Il a parfois inclus des oiseaux en interaction avec l’hibiscus, et dans de nombreux cas comme celui-ci, il a rempli toute la composition avec la plante.
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Bouquet de Fleur par Edouard Manet (1882)
L’influent peintre Edouard Manet était un amoureux des fleurs, qu’il peignait fréquemment. Rompant avec la tradition, il ne peignait pas seulement des bouquets dans des vases, mais aussi des fleurs éparpillées sur des tables. Ses coups de pinceau libres et dynamiques, qui font de lui une figure centrale entre le réalisme et l’impressionnisme, donnent à ses fleurs peintes un aspect éphémère et fascinant. La peinture florale était si importante pour Manet que pendant les six derniers mois de sa vie, il ne peignait que des natures mortes florales. Manet utilisait souvent ces peintures comme de petits cadeaux pour ses amis.
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Roses et fleurs de Lys d’Henri Fantin-Latour (1888)
Le peintre français Henri Fantin-Latour s’est spécialisé dans la peinture de fleurs, adoptant une approche conservatrice de son travail à une époque où l’impressionnisme prenait de l’ampleur. Ses peintures réalistes témoignent de son dévouement aux grands maîtres de l’art, puisqu’il a affiné son art en copiant des tableaux du Louvre. Avec des Roses et des Lys, Fantin-Latour a utilisé les longues tiges des lys pour couper à travers la toile, équilibrant le petit bouquet de roses roses et blanches reposant sur la table. Il a également montré son utilisation brillante de la couleur, jouant sur le romantisme du tableau à travers les teintes roses des pétales de roses, qui offrent un doux contraste avec le brun profond de la table en bois.
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Nature morte avec des iris de Vincent Van Gogh (1890)
Il existe de nombreuses peintures de fleurs célèbres de Vincent van Gogh, dont sa célèbre série « Tournesol« . Mais nous avons un faible pour les natures mortes avec des iris, qui mettent en évidence l’utilisation intéressante de la couleur par l’artiste. Peinte alors qu’il était patient dans un hôpital psychiatrique de Saint-Rémy, cette nature morte est magistrale dans son utilisation de couleurs audacieuses et contrastées. Le tableau est l’une des deux versions. L’une, qui se trouve aujourd’hui au Metropolitan Museum of Art, a été peinte sur un fond rose maintenant délavé, afin de créer une atmosphère « douce et harmonieuse ». Van Gogh avait des intentions bien différentes pour cette version, qu’il a décrite dans une lettre à son frère Theo. « L’autre bouquet de violettes (allant du carmin au bleu de Prusse pur) se détache sur un fond de cédrat étonnant, avec d’autres tons jaunes dans le vase et le support sur lequel il repose, c’est donc un effet de complémentarité extrêmement disparate, qui se renforcent mutuellement par leur juxtaposition ».
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Bouquet de roses de Pierre-Auguste Renoir (c. 1890 – 1900)
Le Bouquet de roses de Renoir est une huile sensuelle sur toile où le maître impressionniste remplit le cadre de boutons de rose luxuriants et dodu, rendus dans diverses teintes vibrantes de rouge et de rose. Étant un autre peintre qui s’est tourné vers la peinture de fleurs plus tard dans sa carrière, Renoir a souvent peint des roses, le plus souvent rouges. À cette époque de sa vie, Renoir était plus libre dans son art, souhaitant simplement évoquer le sentiment de l’objet plutôt que de se concentrer sur les moindres détails. Cela lui a permis de créer des peintures de fleurs qui ont une qualité tactile et une énergie qui rayonnent de la toile.
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Jardin de fleurs de Gustav Klimt (1905)
Enchanté par les paysages qu’il a vus pendant l’été à Litzlberg, l’ensemble des peintures de Gustav Klimt représentant des champs de fleurs sont de puissants exemples du travail réalisé pendant sa Phase d’Or. Le Jardin des fleurs, ou Bauerngarten, est considéré comme l’un des meilleurs paysages de Klimt et représente une multitude de fleurs tombant hors du cadre. L’œuvre, qui a été vendue aux enchères en 2017 pour 59,3 millions de dollars, célèbre le charme rustique d’un jardin sans s’appuyer sur le réalisme. Le catalogue de la vente aux enchères de Sotheby résume parfaitement sa qualité : « Ce paysage remarquable est enraciné dans le monde naturel tout en s’orientant vers l’avant-garde symbolique et décorative. C’est cette synthèse de beauté naturelle et de régularité harmonieuse qui confère à l’œuvre sa qualité profondément émouvante ». Et si jamais tu aimes bien les tableaux de champs de fleur on en a un de champs de lavande super beau.
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Nénuphars de Claude Monet (1908)
Sans les Nénuphars de Claude Monet, la liste des peintures de fleurs ne serait pas correcte. Avec cette série iconique, le génie impressionniste donne un cours de maître en peinture en plein air. Monet était si dévoué à cette série qu’il s’est assuré que son jardin personnel à Giverny serait toujours en pleine forme afin de lui donner l’inspiration dont il avait besoin. Au cours des 30 dernières années de sa vie, Monet a peint plus de 205 pièces pour la série, ses coups de pinceau libres faisant souvent frôler l’abstraction dans les compositions. Plus important encore, il n’a jamais perdu de vue l’objectif de donner vie à l’esprit des délicats nénuphars, en les rendant dans des couleurs riches et en montrant leur beauté sous différents types de lumière.
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Amaryllis de Piet Mondrian (1910)
Piet Mondrian, étant hollandais, est issu d’une longue tradition culturelle de l’art floral. Mais il n’avait pas peur d’apporter sa propre touche contemporaine à sa peinture de nature morte. Cette nature morte précoce, Amaryllis, vient bien avant les peintures abstraites les plus connues de Mondrian, qui sont ancrées dans la géométrie. Peinte dans un style fauviste, on le voit décomposer la composition en blocs de couleurs vives qui réduisent les fleurs à leurs formes élémentaires. L’aquarelle est un merveilleux équilibre entre les qualités picturales et la couleur tout en se détachant de l’impressionnisme.
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Vase blanc avec des fleurs d’Odilon Redon (1916)
Rendue au pastel, cette nature morte florale vibrante du peintre symboliste Odilon Redon est un regard vers l’avenir. Le tableau et l’arrière-plan précis, si importants dans les premières natures mortes néerlandaises, ont disparu. Redon crée plutôt l’espace en utilisant des dégradés de couleurs pastel. Ses fleurs passent d’un rendu précis et détaillé à des pétales plus abstraits qui rendent l’ensemble du tableau dynamique. Il est intéressant de noter que Redon ne s’est tourné vers la peinture de fleurs qu’à l’âge de 60 ans, âge auquel il a consacré la majeure partie de son temps à les créer. La peinture de fleurs était une activité sérieuse pour Redon et il l’appréciait énormément. « J’ai dans l’esprit comme l’une des bonnes choses que j’ai peintes, ce vase de fleurs, qui est resté une vision pour moi », a-t-il dit un jour. « Je ne connais rien qui m’ait donné plus de plaisir qu’une telle appréciation de simples fleurs dans leur vase respirant l’air. »
NB : Si tu veux en connaître plus sur la vie et le parcours des artiste n’hésite pas à te rendre su Wikipédia !
Et si jamais tu aime les tableaux floraux sache que nous aussi on as des tableaux et ceux ci ne coûte pas des millions!
